Créer pour une cause

Mais derrière la liberté créative se trouve une dimension essentielle : la solidarité.

Les œuvres de cette 20e édition sont exposées au Théâtre des Champs-Élysées avant d’être vendues aux enchères le 23 novembre 2015, au profit de la Fondation AVEC, engagée dans la lutte contre le cancer.

Pour Ken Okada, la création quitte ainsi le seul territoire de la mode.

Elle peut aussi servir. Rassembler.

Et contribuer à une cause qui dépasse le vêtement.
Son propre sapin trouvera d’ailleurs acquéreur auprès du professeur David Khayat.

Le texte que la créatrice écrit au lendemain de la soirée conserve encore toute sa spontanéité :
« Je suis curieuse… Il l’a mis où ? Dans son salon… dans son bureau ? »

Derrière cette petite question presque enfantine apparaît toute l’émotion de voir son cocon quitter l’exposition pour commencer une autre vie.

Une soirée de « premières fois »

Mais lorsque Ken Okada écrit sur cette soirée en 2015, un détail revient continuellement dans son récit :

« C’est la première fois… »

Première participation aux Sapins de Noël des Créateurs.
Première photographie avec Jean Paul Gaultier, dont elle découvre la gentillesse et l’humanité.

Nouvelle rencontre avec Chantal Thomass, qui lui dit avoir vu son Instagram.

Première fois également que Marie-Christiane Marek, à l’origine de l’événement, porte une création Ken Okada au cours de cette soirée.

Les rencontres se succèdent.

Thierry Lhermitte, qu’elle décrit alors avec tendresse comme son « idole ».
Jean-Claude Jitrois.

Patrick Poivre d’Arvor, qu’elle avait déjà rencontré auparavant dans son cocon de la rue de la Chaise et avec lequel elle peut, cette fois, prendre le temps de parler.
Chacune de ces rencontres semble petite lorsqu’on la regarde isolément.
Mais réunies au cours d’une même soirée, elles produisent chez la créatrice un sentiment nouveau.

Mais aujourd’hui, ce qui me touche peut-être le plus est une phrase que j’avais écrite après la soirée : « Je suis la clé de ma marque. Je dois pouvoir tourner et ouvrir porte par porte. »

Je trouve cette phrase très naïve et très forte à la fois.
Parce qu’elle raconte exactement la créatrice que j’étais.
Je savais que personne n’allait construire cette histoire à ma place.

Il fallait du courage. Il fallait frapper aux portes. Parfois elles restaient fermées. Parfois elles s’ouvraient un peu.

Et quelquefois, comme ce soir-là, je passais la porte et je découvrais un monde que je pensais encore inaccessible.
Aujourd’hui, après vingt-cinq ans de création, je regarde cette Ken Okada avec beaucoup de tendresse.

Je sais maintenant que l’on ne devient jamais créatrice en une seule journée.
On le devient rencontre après rencontre.
Projet après projet.
Difficulté après difficulté.
Porte après porte.

Et peut-être que la plus grande différence aujourd’hui est que je ne cherche plus autant à savoir si je fais partie de ce monde.
J’ai compris que l’important était de continuer à construire le mien.
Mais je n’oublierai jamais l’émotion de cette soirée.

Cette première fois.
Cette photographie.
Ce sapin blanc.
Ces rencontres.

Et cette petite créatrice japonaise qui regardait autour d’elle et qui, pendant quelques secondes, s’est dit : « Moi aussi, je suis là. »

— Ken Okada

Au-delà de sa notoriété, Claire Chazal représente une certaine idée de la femme qui résonne profondément avec l’univers de Ken Okada.
Journaliste, femme de culture et personnalité affirmée, elle incarne une élégance qui ne repose pas uniquement sur l’apparence.

Une femme qui possède sa propre voix, sa présence et son caractère.

C’est précisément cette femme qu’OKADA PARIS souhaite habiller depuis ses débuts : une femme qui porte le vêtement pour exprimer sa personnalité, et non pour la remplacer.

La chemise devient alors un prolongement de celle qui la porte.

Elle accompagne.
Elle souligne.
Elle affirme.

Mais elle ne transforme pas.

Créer un uniforme sans effacer la personnalité

Ken Okada imagine une silhouette volontairement sobre, construite autour du noir, du blanc et du rouge emblématique des Galeries Lafayette.

Pour les femmes, une chemise blanche dialogue avec un pantalon noir. Pour les hommes, la chemise devient noire, associée elle aussi au pantalon noir. Le tablier complète la silhouette professionnelle.

Mais la créatrice souhaite introduire un détail qui permette immédiatement de sortir de l’uniforme conventionnel.

Une ligne rouge asymétrique vient alors traverser la silhouette.

Discrète mais graphique, elle rappelle l’identité des Galeries Lafayette tout en introduisant l’un des langages chers à Ken Okada : l’asymétrie.

Le défi est précisément là : être original sans devenir démonstratif.

L’uniforme doit avoir du caractère, mais ne doit jamais empêcher de travailler.

Il doit être visible sans devenir envahissant.

Créatif, mais fonctionnel.

Quand la création rencontre la réalité

Très vite, Ken Okada découvre qu’imaginer un uniforme est très différent de dessiner une collection.

Une collection naît d’abord d’une vision.
Un uniforme doit, lui, rencontrer la réalité.

Les personnes qui vont le porter n’ont ni les mêmes silhouettes, ni les mêmes proportions, ni les mêmes gestes. Elles doivent pouvoir se déplacer, servir, travailler pendant plusieurs heures et se sentir à l’aise dans leur vêtement.
La création doit donc s’adapter à l’être humain, et non l’inverse.

Cette dimension conduit Ken Okada à s’impliquer personnellement dans les différentes étapes du projet, jusqu’aux essayages et aux ajustements nécessaires pour accompagner les personnes qui porteront réellement les pièces.
Ce qui semblait au départ être un projet relativement simple devient ainsi une véritable expérience de création, de production et de précision.

Quand on crée une collection, on imagine une silhouette. Avec un uniforme, il faut penser à toutes les personnes qui vont réellement le porter.

Les corps sont différents.
Les proportions sont différentes.
Les gestes sont différents.

Et surtout, ces personnes doivent travailler dans le vêtement.

Je me suis donc beaucoup impliquée dans les essayages et les ajustements. Je voulais conserver la qualité du vêtement tout en respectant les besoins de chaque personne.

Mais ce projet m’a appris encore autre chose.
Être créatrice ne signifie pas seulement savoir dessiner.

J’ai appris à travailler dans un appel d’offres, à préparer des documents, à réfléchir aux budgets, aux chiffres, à la production, aux contraintes et à toutes les étapes nécessaires pour transformer une idée en réalité.

J’étais encore relativement jeune dans mon aventure parisienne, et je crois que j’ai énormément grandi grâce à cette expérience.

Aujourd’hui, avec le recul, je me rends compte que beaucoup de grands projets de ma carrière ont fonctionné ainsi.

Pour Ken Okada, le Lutetia incarne une manière très particulière de vivre le luxe parisien.
Un luxe élégant, cultivé et historique, mais sans ostentation.
Un lieu profondément lié à la Rive Gauche, à son architecture, à sa culture et à son art de vivre.

C’est aussi précisément la clientèle que la créatrice reconnaît depuis longtemps dans l’univers OKADA PARIS : des femmes et des hommes sensibles à l’élégance, mais qui ne recherchent pas nécessairement le spectaculaire ou le « bling-bling ».

Ils aiment Paris.
Ils aiment la culture.
Ils aiment la création.

Et surtout, ils aiment ce qui possède une personnalité.
Cette proximité naturelle va donner naissance à une collaboration qui dépasse rapidement la simple association entre une Maison de mode et un hôtel.

Avec « Dreamlike in Paris », l’idée n’est pas simplement d’organiser un événement de mode dans un hôtel prestigieux.
Le projet consiste à faire entrer l’univers OKADA PARIS directement dans l’expérience des clientes du Lutetia.

Dans cinq des suites emblématiques de l’hôtel, une création imaginée par Ken Okada est proposée comme cadeau : une tenue en soie « dessus/dessous », transparente, délicate et féminine, pensée pour pouvoir être portée de jour comme de nuit.

Une pièce intime, presque comme une transition entre la chambre et la ville.
Les clientes peuvent toucher la matière, essayer la création, la porter et découvrir ainsi la Maison autrement.

L’expérience peut ensuite se prolonger à quelques minutes de là, rue de la Chaise, où elles sont invitées à rencontrer la créatrice et à découvrir ses collections et son savoir-faire.

Le vêtement devient alors un lien entre deux lieux.
La suite mène à la boutique.
L’hôtel mène à la Maison.

Et la mode devient une expérience parisienne.

Ce projet révèle déjà une conviction importante dans le parcours de Ken Okada.

Le luxe ne réside pas uniquement dans la valeur d’un objet.
Il peut se trouver dans une attention, une matière que l’on touche, une rencontre, un lieu, une vue sur Paris ou simplement dans la sensation de découvrir quelque chose que l’on n’attendait pas.

Au Lutetia, cette idée prend tout son sens.
L’hôtel n’est pas seulement, aux yeux de la créatrice, un endroit où les voyageurs viennent dormir.

C’est un lieu que l’on fréquente.

On y déjeune.

On y dîne.

On s’y retrouve.

Les habitants de la Rive Gauche peuvent y croiser les voyageurs internationaux, les artistes, les journalistes et les personnalités de passage.
Pour Ken Okada, cette dimension est essentielle.
Un hôtel peut lui aussi devenir un lieu de vie et de création.

Pour présenter la collaboration, OKADA PARIS et le Lutetia imaginent un événement permettant aux invités de découvrir l’hôtel autrement.
Journalistes, clients, professionnels de la mode et personnalités de l’époque sont invités à entrer dans cet univers, à découvrir plusieurs suites et à parcourir les espaces du Lutetia.

À l’époque, les blogs mode prennent également une place nouvelle dans la communication. Blogueurs et nouveaux prescripteurs rejoignent les médias traditionnels autour de l’événement.
Cette rencontre entre hôtellerie, mode et expérience attire l’attention de la presse et donne une visibilité nouvelle au projet.
Mais pour Ken Okada, son souvenir le plus important n’est pas seulement celui des retombées médiatiques.

Ce sont les rencontres.

Les échanges.

La manière dont les équipes du Lutetia se sont investies dans l’aventure.

Elle découvre des interlocuteurs ouverts aux artistes et aux propositions nouvelles, capables de considérer l’hôtel comme un espace où différentes disciplines peuvent se rencontrer.
C’est cette dimension humaine qui transformera progressivement une opération professionnelle en relation durable.

Cette relation avec le Lutetia se poursuit au-delà de la première opération.
L’hôtel devient également le cadre d’une présentation de la collection Printemps-Été 2014 d’OKADA PARIS.
La collection elle-même semble naturellement appartenir à cet univers.
Pour cette saison, Ken Okada imagine un voyage onirique entre Paris et le Japon.
La danse, la légèreté du tutu et la fleur de cerisier japonaise se rencontrent dans une collection à la fois dynamique, joyeuse et sereine.
Les constructions et déconstructions jouent avec l’asymétrie.
La fluidité du tulle de coton apporte des mouvements plus libres, presque « non maîtrisés », qui contrastent avec l’architecture traditionnellement plus structurée de la chemise OKADA PARIS.

La chemise elle-même se transforme.
Elle s’allonge.

Elle devient plus légère, plus vaporeuse.
Les transparences permettent aux couleurs et aux matières de se mélanger, tandis que les superpositions multiplient les possibilités de porter chaque création.
Une pièce peut changer selon l’humeur et la personnalité de celle qui la porte.
Et une phrase de la créatrice résume alors avec humour cette recherche :

« Une chemise peut en cacher une autre, et une deuxième chemise en cache souvent une troisième ! »

Derrière cette légèreté apparaît déjà une grande partie du vocabulaire qui continuera d’accompagner la Maison : superposition, transparence, asymétrie, mouvement, transformation et dialogue entre Paris et le Japon.

L’Hôtel Lutetia, pour moi, ce n’est pas simplement un hôtel où j’ai organisé un événement ou présenté une collection.

C’est beaucoup plus personnel.

Il était presque notre voisin.

Depuis ma boutique rue de la Chaise, il suffisait de marcher quelques minutes pour arriver au Lutetia. Et pendant des années, j’ai vu des clients de l’hôtel passer dans notre petite rue, découvrir la boutique presque par hasard et entrer chez OKADA PARIS.

Petit à petit, j’ai compris que nous avions aussi quelque chose en commun.

La Rive Gauche.

Pour moi, la clientèle du Lutetia ressemblait beaucoup à la femme OKADA PARIS.
Elle aime l’élégance, mais elle n’a pas besoin de montrer qu’elle appartient au luxe.
Elle aime la culture, la différence, la création, l’histoire.
Elle cherche quelque chose avec une âme.

C’est probablement pour cela que cette collaboration m’a semblé si naturelle.
Quand nous avons imaginé la tenue en soie pour les clientes des suites, j’aimais beaucoup l’idée que quelqu’un puisse découvrir mon travail autrement.
Elle pouvait toucher le vêtement.

Le porter.
Dormir avec, sortir avec.
Puis, si elle en avait envie, traverser quelques rues et venir me rencontrer dans ma boutique.

Pour moi, c’était déjà une autre manière de penser la mode.
Ce n’était pas seulement : « regardez mon vêtement ».
C’était : « entrez dans mon univers ».

Et lorsque nous avons organisé Dreamlike in Paris, j’ai encore découvert autre chose.
Je me souviens des suites, des journalistes, des clients, des rencontres, des personnes qui travaillaient avec nous.